破铜烂铁乐队（破铜烂铁乐队演出）

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音乐 | 破铜烂铁——听觉还是 视觉的艺术

(写在前面的话: 推荐一定要去看记录破铜烂铁音乐的影片《破铜烂铁》 ，否则很难产生共鸣。破铜破铜他们的烂铁乐队烂铁乐队表演七年蝉联百老汇票房冠军。)

破铜烂铁，演出STOMP乐队，破铜破铜利用生活中随手可得的烂铁乐队烂铁乐队一切工具，包括自己的演出身体发声，从而创造出奇妙的破铜破铜音乐来。

但其实听他们演奏，烂铁乐队烂铁乐队 与其说是演出听觉的享受，在我看来，倒不如说是一场视觉的盛宴更贴切些。

当然，在听觉效果上，他们的乐曲必然也符合着音乐美学的基本要求，譬如满足了听众与演奏者的心理需求，譬如乐曲的旋律处理等等。

同其他的各类纯音乐相比，如西方交响乐，中国传统古典乐等， 破铜烂铁更胜在其对视觉效果的处理上，即胜在乐器的新奇（生活化）与演出画面的冲击性上。 我想从古至今，从中国到世界的各类音乐会上，很难能找出比破铜烂铁乐队更具有创造性的舞台了。

乐器的新奇。 我惊叹于他们的创造力与想象力，所以由此推知，想来他们的听众或多或少都会有这样类似的感慨。用扫帚，水桶，棍棒，篮球，打火机，纸牌，用一切生活中的事物来做乐器，来演奏具有一定美感的音乐，形成非常具有一定规模的成熟舞台，这本身就是件先声夺人的创造。在这种形式出现之前，我不敢也不能想象这一场景。观众在欣赏表演的时候，在我看来很大的一部分精力，一定放在了对这些“乐器”视觉上的观察研究中，而非简单的对一首美妙音乐的听觉欣赏。而对破铜烂铁乐队而言，最值得赞赏的，我更认为是从某种意义来说，他们对音乐这一概念进行了重新的界定，乐器不只是指传统意义上的乐器，音乐也不仅包括传统乐器所演奏而成的乐曲；一切可以以各种形式发声的物体都可以称之为乐器（即乐器生活化），包括人本身，一切具有美感的声音都可以是音乐，不管他们以何种形式表现。

再谈画面的冲击性 ，即乐队的舞台表演和舞蹈。与其说是乐曲在听觉上吸引了观众，不如说是其在舞台上的肢体动作对观众更有吸引力，至少对占绝大部分的一般观众而言，更是如此。譬如影片中的茶巾单元：暗沉的雨天，一群赤裸上身的大汉，湿透的毛巾弹打铁桶，水帘在一次次敲打中有节奏的形成，太美了，这样的画面太能吸引我了，狂野而绝望的发泄，虽说搭配着那有节奏的类似鼓点声舞台效果更好，但与此同时，观众的注意力也很容易放到视觉的冲击上，听觉的体验效果反而次之。

其实如果真的只单论音乐本身，只谈闭上眼睛听，破铜烂铁的艺术效果理应是达不到这样高的层次的。 对我这样一个并没有受过更多艺术熏陶的人来说，闭上眼睛，听，时间久了，我可能会腻，甚至睡着。

为什么？我反思。

认真听会发现，破铜烂铁在节奏上缺少波折 ，这意味着这样的乐曲故事性会削弱很多，比如我们常欣赏的《田园交响曲》，再比如我们传统的古筝曲《四面埋伏》，《高山流水》等等，我们能依节奏把它们分为第一乐章第二乐章等等，依据这些乐章以及作者的创作背景在脑海形成一个故事的发展线或者作者内心情感的变化线索，但破铜烂铁乐队的音乐显然不属于这种类型。破铜烂铁更重视外在画面的创设，即舞台的表演，而忽视观众内心画面的营造。这也就导致了我们说对破铜烂铁乐队的欣赏，必不可缺少视觉的加入。一旦少了视觉，很容易造成听众在听觉上因为一成不变，无法自己想象情境而产生审美疲劳。其实，这同样也就能解释了，为什么今天我们的很多音乐app上很难搜到对破铜烂铁纯音乐的收录。

再说其音色。 虽然说演奏器材的生活化使得乐队更具有创造力和舞台表现力，但同时，器材的过于简单也会导致乐曲的音色陷入一成不变的窘境。纵观整部影片，除了影片的最开始，六个人固定在一个类似广告牌的大屏上，这时由于器材提前固定好，不用演奏者自己携带而丰富多样，因此音色厚重、轻灵都得到展现外，在之后的表演中，乐队考虑到整体的舞台效果，所有的演奏者只能携带一两种完全相同的器材，因此音色都是比较单一的，厚重的从头厚重到尾，轻灵的也从头轻灵到底。器材的简单也导致它音色的简单，而由于乐队要兼顾表演和简单的舞蹈动作，他们不能携带过多器材，音色问题也就成了被精彩的舞台视觉掩盖的但又很难解决的问题。盼望着这一问题在将来能有更好的解决方法与长足发展。

所以，与其说我在听破铜烂铁乐队的演奏，其实我更愿意说，我在看他们的表演，当然这其中耳朵不可或缺，但显然，至少对我来说，视觉占了更大的功效。

某种意义上，破铜烂铁其实更是一出及其富有表现力的音乐剧，他们的表演道具，演出形式都别具一格，别开生面。但就音乐本身而言，也许并不足以称为具有极高演奏水平和丰富内涵的音乐。

破铜烂铁乐队最重要的音乐元素

破铜烂铁乐队最重要的音乐元素：节奏。根据查询相关公开信息显示：破铜烂铁乐队正是牢牢地把握住了节奏这一音乐的重要元素，让生活中朴素木讷的物品发出了歌唱。

我想问一下谁知道 垃圾乐队？

自从1995年推出他们的同名专辑以来，Garbage（垃圾）乐队名气爆炸性的激增。乐队由主唱雪丽·曼森（Shirley Manson），吉他手史迪夫·马克（Steve Marker）及杜克·艾里克森（Duke Erickson），鼓手巴兹·维格（Butch Vig）组成。八十年代早期当维格进入威斯康星大学就读时就打算成立一支乐队。在读了两年大学后，他放弃了学业并成为了一支名为Spooner乐队的鼓手。在Viroqua的一家奶牛厂工作时，维格认识了住在内布拉斯加州的Spooner乐队的主唱兼吉他手杜克·艾里克森。史迪夫·马克是威斯康星大学电影专业的学生，住在纽约州北部，他是Spooner乐队的歌迷并且曾经用自己修剪草坪得到的钱资助乐队推出了一张有四只歌曲的唱片。1984年维格和马克共同投资在一间仓库中录制一张有八首歌曲的唱片，Smart录音室就这样成立了。

在发行了三张摇滚专辑之后，Spooner乐队离开了Firetown录音室而开始在Smart录音。维格和马克依靠为本地的朋克乐队录音为生，每录制一首单曲收取100美元。不久Smart就成了著名的地下音乐的滋生地。就像其它的著名录音棚一样，他们也有自己的顶尖艺人。在九十年代初，维格为很多地下乐队出了专辑，并且推动了后另类音乐和颓废音乐（grunge）的发展大潮，这其中包括了Nirvana乐队的专辑《Nevermind》，Sonic Youth乐队的专辑《Dirty》以及Smashing Pumpkins乐队的专辑《Gish》以及《Siamese Dream》。

1993年，维格、艾里克森、以及马克因为为Nine Inch Nail乐队及House Of Pain录制歌曲而聚在一块。一次的即兴演出诞生了Garbage。这三位音乐制作人在Smart录音室的地下室不停的演奏他们认为最另类的东西。一切也就由此开始了，1994年的某天晚上维格在收看MTV并且并且留意到了一支名为Angelfish的乐队。这支乐队的主唱是一位长着迷人红发的苏格兰美女，名叫雪丽·曼森，维格也意识到她就应该是将来Garbage乐队的主唱。

曼森出生于爱丁堡，最初是Goodbye Mr. Mackenzie乐队的键盘手。她最终接受了维格、马克和艾里克森的邀请。据乐队所说，第一次的见面是可怕的：“她很紧张而我们也很紧张。”马克回忆：“那简直就是一场灾难”。但他们仍然坚信她就是他们所希望的那个人。维格回忆到“她简直就是一颗子弹”，“最后我们告诉她我们需要一个能够服从安排的人，她的回答是：‘我不会唱这些该死的废物的...’！”

乐队在Smart录制歌曲时，一位朋友来访问他们，在无数遍的聆听他们的歌曲之后，这位朋友最后说道：“这些音乐就像垃圾（garbage）!”维格回答道，“完全正确，我们正是要将这些垃圾变为歌曲。”由此乐队正式命名为Garbage。

Garbage乐队用去一年的时间来准备他们的首张同名专辑，这张专辑由Alo Sounds唱片公司发行。 基于象 "Vow," "Queer," "Only Happy When it Rains" 以及 "Stupid Girl"等歌曲， Garbage受到了批评但同时又取得了巨大的商业成功。至今为止这张专辑已经获得了四百万的销量。 跟随这张专辑的成功，Garbage又增加发行了一首专辑B面歌曲“Number One Crush”。这只歌曲成为了另类音乐排行榜的榜首歌曲，乐队也因此获得了三项葛莱梅大奖。

1997年四月，结束了乐队长达两年的巡回演出，Garbage开始创作他们的第二张专辑。乐队拥有三位最棒的音乐制作人，所以花去很多的时间用于一遍又一遍的歌曲录制和再录制也就不足为奇了。歌曲的创作精益求精，往往是录制刚开始不久就马上停了下来。 “如果没有什么其它问题，我们的录制也许就永不会停止”杜克说道。“这就像是在画画，你可以不断的为你的画添加新的图样但又可以随时改变它。这时人们总是在催促我们应该赶快结束录制工作。当然，迟早我们会满足大家的期望的。”

1998年5月12日，乐队的第二张专辑《Version 2.0》发行，此次上传版本包含4首现场版歌曲。

2001年11月发行的第三张专辑《Beautifulgarbage》中，Garbage去掉了《Version 2.0》中的咒骂，再现出首张专辑中对流行音乐的驾驭能力，并再次采用了多种音乐类型，其中以电子音乐和另类摇滚为主。对他们来说，不存在制作人对作品的修饰切割，他们的音乐更加富有创造力。“Shut Your Mouth”是Missy Elliot式的女权主义的作品。首支单曲“Androgyny”、“Cherry Lips”和“Untouchable”融合了电子、朋克和硬摇滚风格，都是颇具实验性的作品。新专辑中的13首作品都十分精彩，多变的风格也使这张专辑无法与其它的另类唱片相比较。

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